Die Worte finden: Auf der Flöte singen lernen

Von Annie Wu

Mein einziges Ziel in diesem Sommer war es, zu lernen, was es bedeutet, „auf der Flöte zu singen“. Natürlich habe ich auf Sänger geschaut. 

Im Mai vor meinem letzten Studienjahr fuhr ich drei Tage lang mit dem Zug nach Nord-Philadelphia, um Unterricht bei dem gefeierten Bariton Randall Scarlata zu nehmen. Wir scherzten darüber, dass es so sei, als würde man eine Meise in den Käfig eines Löwen stecken, wenn man den tiefsten Gesangslehrer und das höchste Orchesterinstrument hätte. Keiner von uns hatte so etwas jemals zuvor gemacht.

Ganz oben auf meinem Musikstapel stand Schuberts Eine schöne Müllerin, a nearly one-hour song cycle about the thin line between infatuation and psychological deterioration. Notably, the penultimate song finds new life in Schubert’s virtuosic flute variations, so I was itching to play a flurry of notes.

Zu meiner Überraschung habe ich die Flöte in dieser ersten Sitzung nie berührt. Stattdessen stolperte ich durch die deutschen Texte, die Worte waren länglich und sperrig in meinem Mund. Randalls Rezitationen hingegen waren verblüffend – das dröhnende, aber gedämpfte Schlagzeugspiel von B, das in den resonanten Boden von ä überging. Jedes einzelne Wort hatte seine eigene Musik. Während ich von der englischen Übersetzung ins Deutsche wechselte, begann ich, Verben und Substantive einer Struktur zuzuordnen. Die emotionalen Qualitäten, die in jeder Aussprache aufkeimten, offenbarten sich mir langsam. 

Als ich zu meiner Flöte zurückkehrte, stellte ich fest, dass sie neues Gewicht hatte. Zum ersten Mal hörte ich einen von Natur aus musikalischen Text unter Schuberts Mantel. Irgendwie musste ich diese doppelte Interaktion durch mein Instrument beeinflussen. Wie würde ich es aussprechen? Nacht auf der Flöte? Könnte ich den Kern meines Klangs verzögern, damit Ns nasale Zunge den oberen Teil des Mundes berührt? Was ist mit Vibrato, Atmung oder Artikulation? Etwas an dieser „gesprochenen“ Qualität fühlte sich so intim an, als würde ich in Schuberts Arbeitszimmer blicken, während er jedes Gedicht vertont. Als ich am Nachmittag zurück zum Bahnhof ging, spürte ich, dass ich mein Instrument auf eine ganz andere Art und Weise spielen konnte. 

Am zweiten Tag erreichten wir eine Zeile im Zyklus, die übersetzt „Liebt sie mich?“ bedeutet. Der junge Mann der Geschichte blickt verzweifelt in den Strom und fragt ihn – und eigentlich sich selbst –, ob er die Zuneigung der titelgebenden Müllerstochter gewonnen hat. Die Musik ist zart, nachdenklich und auf sanfteste Weise flehend. Randall forderte mich auf, nicht nur über den Klang nachzudenken, den ich verwenden könnte, sondern auch über die wörtliche Betonung als Hinweis darauf, was genau ich meinte. Während ich jeden Tonfall durchging, beobachtete ich, wie sich die Geschichte vor meinem geistigen Auge veränderte. 

Beeinflusst die sie Lieb mich?

Tut sie ich liebe ich? 

Liebt sie? ich? 

Wie ein Edelstein, der sich in der Sonne dreht, veränderte jede Variation den Fokus des Lichts genau so. Die Frage war: Wie kam es? I Sehen Sie diesen Charakter und diesen Moment? Was habe ich versucht? sagen? 

Meine Öffnung hatte sich erweitert. Jede Wahl – ob Akzent, Pause, Atemzeichen oder Vibration – kann die Bedeutung und den Klang einer Phrase verändern, auch ohne die Wörter. Oder vielleicht gerade wegen ihnen. Die Sprache, dieses zutiefst spezifische und ausdrucksstarke Werkzeug, eröffnete mir musikalische Möglichkeiten, die ich mir vorher nie hätte vorstellen können. Ein Flötist könnte auch ein Sänger sein.

In unserer letzten Sitzung klatschte Randall zufrieden in die Hände und bemerkte: „Wenn ich mir Ihre Platte anhören würde und eine zufällige Nadel auf diese Strophe fallen lassen würde, wüsste ich genau, in welcher Strophe Sie sich befinden. Ich könnte hören die Wörter." Es war elektrisierend. 

After that summer, I returned to Cambridge with path a forward. I raided the library shelves, played through songbook after songbook, listened to loads of singers, and ended up landing on one particular story to write my thesis on. I arranged music, created an album, and performed concept shows and lecture recitals. Years later, after refining these ideas, I taught a seminar on this relationship between music and words for musicians at Juilliard, along with countless private lessons outlining my newfound perspective.

Von meinen Schülern bekomme ich oft die Frage: „Wenn wir die Worte nicht sagen, geht dann nicht die Bedeutung verloren?“ Was ist der Punkt?" Ich stecke auch in diesen Schleifen fest und denke, dass eine Übertragung eins zu eins erfolgen muss: Wort entspricht Note entspricht direkter Bedeutung. Die Frage „Worum geht es?“ geht manchmal am Kern des Wachstums vorbei, der in vielerlei Hinsicht Expansion bedeutet. Anstatt nach Genauigkeit zu streben, ähnelt die Erkundung dieser Schnittpunkte eher einem Tanz. Ein kompliziertes, immer lebendiges Spiel zwischen Akteuren – Text, Musik, Komponist, „Sänger“, Instrument und Publikum. Worte nutzen, um meine Absichten konkret zu formulieren – wie Ich spiele und warum – bedeutet, dass ich es zweifellos sein werde mehr gesprächig. 

Es wird gesagt, dass die Ausdruckskraft der Musik in ihrer Abstraktion von der Spezifität liegt, dem Raum, in dem jeder etwas hören kann. Für mich liegt das Schöne auch in der Idee, dass wir durch die konkreten Absichten als Musiker – und die Verwendung von Worten als Denkwerkzeug – noch mehr Möglichkeiten für die Interpretation durch das Publikum schaffen. 

Wir tragen eine Verantwortung. Nicht unbedingt an Schubert oder an unsere Lehrer, sondern an uns selbst als Künstler. Die Magie in jeder Note sehen. Es ans Tageslicht zu bringen, es zu verstehen, ihm eine neue Bedeutung zu verleihen. Bring es in die Welt hinaus. Wie kraftvoll ist es, immer danach zu streben, so überzeugt wie möglich von unserer Geschichte zu sein, damit wir, auch wenn wir nicht über den Luxus von Worten verfügen, auf die Ausbreitung der Musik vertrauen können. Die Menschen werden zweifellos spüren, was wir meinen. 

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Für den neugierigen Instrumentalisten habe ich eine kurze Liste mit Prinzipien und Übungen zusammengestellt, die Ihnen den Einstieg in Ihre Reise zur Erkundung von Textmusik erleichtern sollen. 

 Grundsätze:

• Bringen Sie Dinge ins Gespräch. 

Literatur und Musik. Tanz und Musik. Bildende Kunst und Musik. Es gibt eine Million Bücher über interdisziplinäre Theorie, aber im Wesentlichen kann das Nachdenken über die Funktionsweise verschiedener Kunstformen neue Wege für die Art und Weise eröffnen, wie Sie über Ihr Handwerk denken. Nehmen Sie ein einfaches Beispiel aus der Schnittstelle zwischen bildender Kunst und Musik: kunstbezogene Wörter wie Farbe und dem Texturen werden in der Musik verwendet! Was bedeutet das für die Art und Weise, wie wir Klang visualisieren? Wie eröffnet Ihnen das die Möglichkeit, unterschiedliche Texturen auf Ihrem Instrument zu erzeugen? 

Worte repräsentieren Denken. 

Spüren Sie manchmal, dass etwas brodelt, sind sich aber nicht sicher, was auf Sie zukommt? Und dann fühlt es sich besser an, wenn du es aufschreibst oder mit einem Freund sprichst? Nun, Worte sind spezifisch. Sie ermöglichen es Ihnen, zu kodifizieren, was Sie meinen, und Ihren Gedanken eine Form zu geben. Ich bin mir sicher, dass es Zeiten gibt, in denen Sie beim Spielen das Gefühl haben, dass etwas nicht ganz stimmt, Sie aber nicht ganz sicher sind, was passiert. Dies könnte ein Moment sein, einige der Übungen im folgenden Abschnitt auszuprobieren. Fragen Sie sich: Wie klingt dieser Abschnitt für mich? Gibt es eine Geschichte? Was möchte ich vermitteln? Wie nutze ich die Technik, um diese Geschichte am besten zu erzählen? 

• Widerstehen Sie dem Weg des geringsten Widerstands. 

Vielleicht versteht es sich von selbst, aber manche Sätze kommen auf bestimmte Weise einfach einfacher rüber. Auf der Flöte zum Beispiel wird eine Phrase, die in die hohe Lage hochschwingt und dann wieder nach unten schwingt, wahrscheinlich zuerst oben viel lauter und dann unten viel leiser klingen. Hören Sie hier nicht auf! Eine einzige Verschiebung in der Betonung des Satzes kann seine gesamte Bedeutung verändern. Hinterfragen Sie, was Sie sagen möchten, wie Sie es machen wollen, und setzen Sie es dann in die Tat um. 

• Suchen Sie nach Flexibilität innerhalb der Parameter. Flöte zu spielen bedeutet natürlich, dass ich auf meinem Instrument nicht buchstäblich „sprechen“ kann. Und Streicher „artikulieren“ nicht im wahrsten Sinne des Wortes. Das heißt, wie können Sie mit dem, was Sie über Ihr Instrument wissen und mit Ihrer Vorstellung davon, wie es klingen könnte, anfangen, die Muster und den Klang von Sprache nachzuahmen? Experimentieren Sie damit, am hinteren Ende in einen Takt zu kommen, eine Note früher anzuhalten, mit mehr Kraft zu artikulieren oder später zu vibrieren. Erweitern Sie Ihre Palette an Möglichkeiten. 

• Spezifität führt zu Erweiterung. Letztlich zielen all diese Prinzipien darauf ab, uns bewusst zu machen, wie viele Möglichkeiten wir haben, und bei jedem Auftritt tatsächlich eine zu treffen. In der Welt des Schreibens gibt es ein Sprichwort: „Das Spezifische wird zum Universellen.“ Das heißt: Je mehr Sie Ihre Geschichte auf Ihre Art erzählen, desto mehr Menschen werden sich damit identifizieren. Ich verwende dieselbe Idee, wenn sie sich auf text- und geschichteninspiriertes Spielen bezieht. Je klarer Sie darüber sind, was Sie ausdrücken möchten und wie Sie es tun werden, desto besser wird Ihr Publikum verstehen, was Sie meinen. Auch wenn es sich um eine eigene Interpretation handelt – was auch der Fall sein wird –, garantiere ich Ihnen, dass die Ergebnisse wirksamer sein werden. 

Übungen:

Sagen Sie „Ich liebe dich“ auf 20 verschiedene Arten (Sie können). Das ist meine Lieblingsübung, die ich mit Schülern mache. Die Methode geht so: Stellen Sie sich eine Szene vor, entscheiden Sie, welche Technik Sie verwenden, um dieses Gefühl zu erzeugen, und testen Sie es. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie denken an jemanden, der wütend darüber ist, dass sein Geliebter ihn verärgert hat, und dabei die Leidenschaft ignoriert, die seit Jahren in die Beziehung eingeflossen ist. Vielleicht möchten Sie den Satz schreien und sich auf „Liebe“ als das überwältigende Gefühl über alle anderen stützen. Oder nehmen wir an, Sie stellen sich einen Teenager vor, der vor der Schule aus der Tür rennt, um den Bus zu erreichen, während Mama ihm ein Lunchpaket zuwirft. Über die Schulter hinweg sagen sie die Worte vielleicht lässig und schnell. Gewöhnen Sie sich an diese Methode, bei der Sie zuerst die Idee und dann die Technik definieren. 

Sehen Sie sich Videos großartiger Sänger an und hören Sie Vokalmusik. Manchmal scherzen meine Sängerfreunde, dass ich vielleicht der einzige Instrumentalist auf der Welt bin, der Vokalmusik mehr mag. Ich denke einfach, dass Sänger vom ersten Tag ihrer Praxis an einen klareren Weg zum Geschichtenerzählen haben. Worte sind für sie unerlässlich! Finden Sie Videos großartiger Sänger und beobachten Sie, wie sie sich bewegen, wie sie stehen und wo ihre Augenlinie verläuft. Beobachten Sie, wie sie atmen, und denken Sie darüber nach, wie sie den Text beleben. Aufführen ist eine Kunst, und wenn wir hinter einem Notenpult sitzen oder uns auf unsere Instrumente konzentrieren, können wir vergessen, die Phrasen tatsächlich unseren Zuhörern vorzutragen. Die Leute haben ihren eigenen Geschmack und ihre eigene Meinung zu Favoriten, aber ich denke Cecilia Bartolis Vio che Sapete ist charmant, und Fauré von Barbara Hendricks ist atemberaubend. 

Spielen Sie eine Gesangspartitur durch. There are loads of these online, or if you are fortunate enough to have access to music library, you can browse the shelves. Good places to start are songs that work well on instruments (Fauré songs are great and in many compilations. Schubert works extremely well. Composers like Debussy and Ravel are harder because they tend to repeat notes on consecutive syllables.) Look up a translation and scribe the words into your part so you know the meaning underneath each note. Read the original text as best as you can (you can listen online first). Make a few decisions about what you what to do, and where, in the score. Try to recreate those inflections on your instrument. And have fun!

Bringen Sie Möglichkeiten des Geschichtenerzählens in Ihre Instrumentalmusik. Once you have unlocked a few of these skills, you can bring them to anything you play. The easiest place to start is a piece that already sounds very narrative (perhaps something with a triumphant call at the beginning, or a lyrical love song). In the same way you did with our “I Love You” exercise above, think of a story, translate that to instrumental technique, and try it out. Of course, I’m not saying that every note needs a word, but that’s certainly something you can try!

Zum Spaß finden Sie hier einige Beispiele für Gesangsarrangements, die ich aufgeführt habe. 

• Schumanns Mignon-Lieder
• Faurés Automne
• Mozarts Voi che sapete 
• Faurés Les berceaux
• Faurés Le Fee de Chansons

Möchten Sie mehr über meine Ideen erfahren oder eine Unterrichtsstunde nehmen? Ich habe derzeit offene Flötenstudios (aus der Ferne oder persönlich in Brooklyn) und nehme auch an einmaligen Sitzungen teil. Kontaktieren Sie mich über meine Website!

Unterricht: https://www.anniewuflute.com/teaching 

Website: www.anniewuflute.com

Soziales: IG @_annie_wu_

Youtube: www.youtube.com/anniewuflute

Album: https://www.anniewuflute.com/album 

Über Annie Wu

Über die Flötistin Annie Wu sagte The Mercury News: „Diese Künstlerin scheint es zu können irgendetwas." Im Jahr 2015 gewann Wu den ersten Preis beim nationalen Vorsprechen der Astral Artists und wurde als einer ihrer jüngsten Künstler in die Astral-Liste aufgenommen. Sie ist die Gewinnerin des ersten Preises des James Pappoutsakis Flute Competition, des Yamaha Young Performing Artist Competition, des YoungArts National Competition und der Astral Artists' National Auditions und wurde zur Presidential Scholar in the Arts ernannt. Als Konzertsolistin trat Wu mit dem San Francisco Symphony, dem Vienna International Orchestra, dem California Symphony, dem Kentucky Symphony Orchestra, dem West Virginia Symphony, dem Livermore-Amador Symphony, dem Diablo Symphony Orchestra und dem San Jose Chamber Orchestra auf und führte sie zu Konzerten unter anderem in Bostons Jordan Hall, Strathmore's Mansion und DCs Phillips Collection. Zu ihren Projekten, die sich für verschiedene Wege des musikalischen Geschichtenerzählens begeistern, gehörten ein Solo-Flötenauftrag der Grammy-nominierten Komponistin Anna Clyne mit dem Titel Hopscotch, ein narratives Flötenalbum mit Vokalmusik mit dem Titel „They Call Me Mignon“, das mit dem Harvard Hoopes Prize ausgezeichnet wurde, und eine Beatbox-Flöte YouTube-Video mit über 2 Millionen Aufrufen. Wu unterhält ein privates Flötenstudio und war Gastlehrer für die Juilliard School, das Königliche Konservatorium von Belgien, Play on Philly, den Sacramento Flute Club und öffentliche Schulen im ganzen Land. Als Absolventin des Harvard-NEC Dual Degree Program verfügt sie über einen BA magna cum laude in Vergleichender Literaturwissenschaft der Harvard University und einen MM des New England Conservatory, wo sie bei Paula Robison studierte. Derzeit lebt sie in Brooklyn, wo sie unterrichtet, schreibt und mit ihren Freunden und ihrer Katze Piper Zeit verbringt.